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Johannes Guthmann Die Landschaftsmalerei der toskanischen und umbrischen Kunst von Giotto bis Rafael


Эта книга — репринт оригинального издания (издательство "K. W. Hiersemann", 1902 год), созданный на основе электронной копии высокого разрешения, которую очистили и обработали вручную, сохранив структуру и орфографию оригинального издания. Редкие, забытые и малоизвестные книги, изданные с петровских времен до наших дней, вновь доступны в виде печатных книг.Die Landschaftsmalerei der toskanischen und umbrischen Kunst von Giotto bis Rafael.

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Johannes Guthmann Die Landschaftsmalerei der toskanischen und umbrischen Kunst von Giotto bis Rafael


Эта книга — репринт оригинального издания (издательство "Leipzig, K. W. Hiersemann", 1902 год), созданный на основе электронной копии высокого разрешения, которую очистили и обработали вручную, сохранив структуру и орфографию оригинального издания. Редкие, забытые и малоизвестные книги, изданные с петровских времен до наших дней, вновь доступны в виде печатных книг.Die Landschaftsmalerei der toskanischen und umbrischen Kunst von Giotto bis Rafael.

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Johannes Guthmann Die Landschaftsmalerei Der Toskanischen Und Umbrischen Kunst Von Giotto Bis Rafael


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Carolin Piontek Natur und Landschaft als ungleiche Begriffe im historischen Wandel der Landschaftsmalerei


Diplomarbeit aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Kunst - Malerei, Note: 1,0, Kunsthochschule Berlin-Weissensee Hochschule für Gestaltung, Sprache: Deutsch, Abstract: Viele Jahrhunderte wurde die Landschaftsmalerei als kulturhistorisch immanente Malerei unterbewertet. Dabei ist sie die Äußerung einer Weltsicht der jeweiligen Epoche und offenbart die Gefühlswelt des in ihr lebenden Individuums so eindringlich wie ein Portrait. Aufgebrochen als eine Sehnsucht des Menschen nach der Ursprünglichkeit der Natur, die durch die Zivilisation und ihrer Kultivierung, der zunehmenden Verstädterung und dem Verlust seiner inneren Harmonie erwuchs, wird die Landschaftsmalerei zum Ausdruck seines Innenlebens und zu einer Möglichkeit der Selbstfindung, indem der Mensch versucht seine Stellung in der Welt zu definieren. Die Landschaftsmalerei hat sich stets gewandelt und neue Sichtweisen aufgezeigt. Anfangs als Hintergrundkulisse hat sie nun den Platz als unabhängiges Bildthema neben der Portraitmalerei und dem Stillleben eingenommen. Immer geht die Landschaftsmalerei mit einem ästhetischen und kulturellen Bewusstsein und dem Aufbegehren der Wissenschaften nach Welterschließung einher. Sie bietet einen unaufdringlichen Einblick in politische, kulturelle, gesellschaftliche oder religiöse Ansichten des Künstlers und der Menschen seines Zeitalters. Wir leiten aus der Natur Gesetzmäßigkeiten her, die unsere Erfindungen vorantreiben, um uns ein besseres Leben zu ermöglichen und sogar die Menschenrechte...

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Johannes Baller Die Okonomisierung der Kunst im Neoliberalismus aus Perspektive Pierre Bourdieus


Bachelorarbeit aus dem Jahr 2012 im Fachbereich Kunst - Uebergreifende Betrachtungen, Note: 2,3, Europa-Universität Viadrina Frankfurt (Oder), Sprache: Deutsch, Abstract: Bourdieus Perspektive auf die Ökonomisierung der Kunst ist das Thema dieser Arbeit. Sie bringt seine Erkenntnisse über die Ökonomisierung der Kunst zusammen. Die Arbeit umfasst die gesellschaftlichen Ökonomisierungsprozesse, die direkt oder indirekt die Kommerzialisierung des Kunstbereichs beschleunigen. Sie analysiert die Kommerzialisierung in seiner gesamten Komplexität, schafft Verbindungen zwischen dem Bereich der Wirtschaft, dem Bereich des Staates, des Bildungssystems, der Medien, der Kunst und ihrer verschiedenen Akteure und Institutionen. Die Arbeit geht über die Ökonomisierungsprozesse im Kunstbereich hinaus und beschränkt sich nicht nur auf die Einführung von Begriffen wie Regierung, Journalismus, Medien und Bildung. Die Arbeit zeigt Bourdieus letzte Arbeitsphase, seine Kritik am Neoliberalismus zusammen mit seiner Feldtheorie und die Mechanismen der Ökonomisierung des Kunstfeldes auf.

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Otto Fischer Chinesische Landschaftsmalerei


Der Kunsthistoriker Otto Fischer bietet im vorliegenden Band eine umfassende Einführung in die traditionelle chinesische Landschaftsmalerei. Dabei geht er auf die Entstehung des Genres ein und gibt einen Überblick über die gängigsten Motive und ihre Bedeutung. Illustriert mit 50 Tafeln. Nachdruck der Originalausgabe aus dem Jahr 1921.

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Anna Korzeniewska Licht und Bewegung in der Kunst. William Turner die Kunstlergruppe Zero


Diplomarbeit aus dem Jahr 2010 im Fachbereich Kunst - Malerei, Note: 1,15, Fachhochschule Ottersberg, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Arbeit beleuchtet Turner und sein Schaffen und verdeutlicht, wie er von der gegenständlichen Malerei zur Malerei aus der Farbe kam. Es wird die Entwicklung der Malerei nach Turner bis zur zeitgenössischen Kunst „Zeros" beschrieben, um dann genauer auf die Gruppe mit ihren künstlerischen Grundprinzipien, Ideen, und deren Entwicklung einzugehen.Der englische Öl- und Aquarellmaler William Turner gilt als Entwickler der Stimmungslandschaft und Hauptmeister der Landschaftsmalerei. Sein Leben lang malte er in der Hauptsache Landschafts- und Seebilder, sowie Historienwerke und klassizistische Gemälde, die als Höhepunkte der englischen Romantik angesehen werden können. Die Öl- und die Aquarellmalerei realisierte der Künstler mit einer außergewöhnlichen Technik, um zu einer differenzierten Farbgebung zu gelangen und bildete folglich beide Bereiche der Malerei meisterlich aus. In seinem Spätwerk wandte er sich der Darstellung des Lichtes zu und schuf Bilder mit atmosphärischer Stimmung und einer hohen Farb- und Lichtqualität. Joseph Mallord William Turners Lichtmalerei gab den Impressionisten entscheidende Impulse und durch seine Darstellungen verschiedener Naturphänomene und deren Wirkung auf den Menschen wird er oft als Genius der Elemente, Feuer, Wasser, Erde, Luft bezeichnet. Darüber hinaus ist Turner einer der ersten Maler, die sich in ihrer Mal...

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Sir Walter Armstrong Geschichte Der Kunst in Grossbritannien Und Irland


Die Grundlage der britischen Kunst kann in drei Bereiche aufgeteilt werden. Der Einfluss der keltischen und der sächsischen Kunst und der Vermischung beider Kunststile. Durch die spezielle geografische Lage entwickelte sich in Großbritannien und Irland eine besondere Eigenart der Kunst, die stark durch die Kunst vom Festland beeinflusst wurde, aber ihrerseits auch neue Anregungen auf die Kunststile in Europa gab. Besonders durch die französischen Einflüsse wurden die britischen Inseln geprägt. Sir Armstrong beschäftigt sich mit der Geschichte der Kunst in Großbritannien und Irland und der Entwicklung der verschiedenen Kunstrichtungen wie der Architektur, der Malerei und Bildhauerei im Laufe der Jahrhunderte.Sorgfältig überarbeiteter Nachdruck der Originalausgabe.Mit 600 Abbildungen in Schwarz- Weiß und 4 Farbabbildungen.

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Emil Hannover Danische Kunst Des 19. Jahrhunderts


Dänemark hat eine eigenständige und ausgeprägt Kunst. Das vorliegende Werk beschreibt die Entwicklung und Weiterentwicklung der dänischen Kunst im 19. Jahrhundert sowohl die christliche Kunst in Kirchen als auch Malerei und Skulpturen weltlicher Kunst.Ausführlich wird auf die Zeit von Eckersberg und der Eckersberg - Schule eingegangen. Emil Hannover beschreibt auch die Entwicklung der Farben in der Kunst, geht auf die Bildhauer - Kunst und die dänische Baukunst ein.Das Buch ist eine umfangreiche Lektüre angereichert mit vielen Abbildungen. Es ist ein qualitativ hochwertiger Nachdruck der Originalausgabe aus dem Jahr 1907.

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Heide Marie Herstad Die Kunst ist tot. Es lebe die Kunst.. Asthetik, Philosophie, Politik und Vermarktung der


Wissenschaftlicher Aufsatz aus dem Jahr 2005 im Fachbereich Theaterwissenschaft, Tanz, Note: A, Stockholm University (Teater- och dansvetenskap), Veranstaltung: Scandinavian Masterdegree in dance, Sprache: Deutsch, Abstract: Die Kunst ist tot! Es lebe die Kunst!Kunst wurde im Laufe der Jahrtausende immer wieder zu Grabe getragen. Kunst als Teil des Lebens und einer Lebensvorstellung ist immer noch lebendig. Kunst als politisches Mittel war eine Demonstration der Größe Gottes und der Größe des Menschen. Kunst war eine Demonstration von Macht, Ehrwürdigkeit und Erhabenheit. Kunst schlug im demokratischen Zeitalter um in Kunstindustrie und künstlerische Reproduktion. Kunst ist heute die Jagd nach einem besseren Leben, nach einer Vergeistigung des Lebens und einer Ästhetisierung des Alltags. Kunst kann als Aktivierung des Lebens und als psychosomatische Reinigung verstanden werden. (Vgl. Shusterman, 2000). Kunst als Reflexion auf sich selbst verflüchtigte sich in die Theorie und Philosophie. Kunst als praktische Verwirklichung der Kunst zerbröselte in der Sucht nach dem Neuen. Die Kunst erhielt einen funktionalen Wert. Sie sollte unendliche Abgründe im Menschen aufdecken und entdecken und die exotische Außenwelt des anderen in einer sich globalisierenden Welt ausloten. Kunst verschwindet mit der Idee des Abendlandes und taucht in immer neuen Gewändern von östlicher Weisheit, von mythologischer Erkenntnis und vom Credo einer globalen Toleranz auf. Kunst als Träger kultureller Wert...

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Natalie Mazur Die Kunst der Macht und die Kunst. Schicksal bildenden im Dritten Reich


Magisterarbeit aus dem Jahr 2015 im Fachbereich Kunst - Sonstiges, Note: sehr gut, Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu (Instytut Filologii Germańskiej/ Institut für Germanistik), Sprache: Deutsch, Abstract: Meine Arbeit "Die Kunst der Macht und die Macht der Kunst" behandelt das Thema des Schicksals der bildenden Künste im Dritten Reich.Im ersten Kapitel wurde ein kurzer Einstieg in die Thematik der Kunstgeschichte präsentiert. Anschließend wurden die Grundsätze der modernen Kunst kurz dargestellt, die dann nach Hitlers Machtergreifung von den Nationalsozialisten als entartet diffamiert wurde. Im dritten Unterkapitel wurde die Gestalt von Adolf Hitler unter dem Aspekt eines gescheiterten Künstlers dargelegt. Es wurden Gedanken in Form folgender Fragen verfasst: was ist Kunst? Wie kann die Kunst definiert werden? Wenn ja, wer sollte dies tun? Wann haben wir mit einem Kunstwerk zu tun? Was macht die Kunst aus?Im zweiten Kapitel wurde die Entstehungsgeschichte der faschistischen Kunst in Deutschland beschrieben, deren Strömungen und Motive. Es wurden fehlerhafte Interpretationen und Verlegung von Begriffen aus verschiedenen Fachgebieten auf die NS-Ideologie, veranschaulicht. Erläutert wurden Tendenzen und Mechanismen, die die Nazikunst steuerten. Weiter erfährt man vom Leben und künstlerischer Tätigkeit der von Hitler anerkannten Künstler, die für das politische Regime arbeiteten: Arno Breker, Werner Peiner und Adolf Ziegler. Obwohl solche Personen oft sehr mitt...

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Alfred Peltzer Goethe Und Die Ursprunge Der Neueren Deutschen Landschaftsmalerei


Книга "Goethe Und Die Ursprünge Der Neueren Deutschen Landschaftsmalerei".Эта книга — репринт оригинального издания (издательство "Leipzig : E.A. Seemann", 1907 год), созданный на основе электронной копии высокого разрешения, которую очистили и обработали вручную, сохранив структуру и орфографию оригинального издания. Редкие, забытые и малоизвестные книги, изданные с петровских времен до наших дней, вновь доступны в виде печатных книг.

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Johannes Buhl Autonomie der Kunst


Studienarbeit aus dem Jahr 2010 im Fachbereich Soziologie - Medien, Kunst, Musik, Note: 1,3, Otto-Friedrich-Universität Bamberg (Lehrstuhl für Soziologie II), Veranstaltung: Pierre Bourdieu im Kontext der Gesellschaftstheorie, Sprache: Deutsch, Abstract: Eine wesentliche kulturelle Leistung neuzeitlicher Kunst besteht darin, dem Begehren, aus der bestehenden in eine andere Welt zu entkommen. Nicht nur Ausdruck zu verleihen, sondern es mehr oder weniger auch wirklich auslebbar zu machen. ‚Künstlerische Freiheit' als geflügeltes Wort für alles, was Kunst darf. Dieses Ideal von der Freiheit der Kunst zeigt ihre gesellschaftliche Bedeutung im Grundgesetz der Bundesrepublik. Die Kunst sei frei, so steht es im fünften Artikel geschrieben. Solange nun in der Kunstwelt die Selbstbestimmung als Ideal gilt, wird versucht, nach ihr eigenen Gesetzen bestimmte Lebens-, Werk- und Organisationsformen zu schaffen, die total anders als die übrige Welt zu sein scheinen. Wo das gelang, war in der Moderne durch Kunst und nicht mehr durch die Religion ein ebenso sinn- und wertvolles wie alternatives Dasein in der Welt gegeben. Doch ist dieses Ideal nicht längst zur Illusion geworden? Gehorcht die Kunstwelt nicht längst dem Primat der Ökonomie, deren Logik sich in alle Bereiche unserer Lebenswelt ausbreitet? Und sind es noch so idealisierte Vorstellungen von einer Passion der Liebe oder von einer Freiheit in der Kunst, werden auch jene Vorstellungen von Handlungsmaxima überlagert oder untergra...

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Walter Rothes Anfange und Entwicklungsgange der altumbrischen Malerschulen,. insbesondere ihre Beziehungen zur fruhsienesischen Kunst


Книга "Anfänge und Entwicklungsgänge der altumbrischen Malerschulen,. insbesondere ihre Beziehungen zur frühsienesischen Kunst".Эта книга — репринт оригинального издания (издательство "Strassburg : J.H.Ed. Heitz", 1908 год), созданный на основе электронной копии высокого разрешения, которую очистили и обработали вручную, сохранив структуру и орфографию оригинального издания. Редкие, забытые и малоизвестные книги, изданные с петровских времен до наших дней, вновь доступны в виде печатных книг.Anfänge und Entwicklungsgänge der altumbrischen Malerschulen, insbesondere ihre Beziehungen zur frühsienesischen Kunst. Ein Beitrag zur Geschichte der umbrischen Malerei

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Marcel Dieulafoy Geschichte Der Kunst in Spanien Und Portugal


Die Geschichte der Kunst Spaniens und Portugals nimmt seinen Ursprung zur Zeit der Sassaniden im Iran. Am Anfang des 8.Jahrhunderts übernehmen die Araber die Meerenge von Cadiz. Kunst, Kleidung, Sprache, Literatur, Sitten und Glaube auf der Pyrenäenhalbinsel änderten sich bei der Berührung zwischen dem Christentum und dem Islam. Zu den Bauten, mit denen die Araber Spanien beschenkten, gehörten auch die Moscheen. Im Laufe der Zeit gelangte aber auch der Einfluss Südfrankreichs nach Spanien. Dieses Buch gibt einen Überblick durch die Jahrhunderte der Kunst Spanien und Portugals von der persischen Kunst, über die Romanik, Gotik und Renaissance bis hin ins neunzehnte Jahrhundert.Mit 745 Schwarz-Weiß Abbildungen und 4 Farbtafeln.Sorgfältig überarbeiteter Nachdruck der Originalausgabe.

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Kristin Müller-Wenzel Die Ganja-Picassos. Identitat und Kunst bei den Rastafari


"Mein Malen kommt aus dem Beten", diese Worte von Rasta Leonard Daley zeigen, dass Kunst nicht nur einen ästhetischen Wert inne hat, sondern auch immer eine Funktion in der Gesellschaft einnimmt. Anhand von Kunst ist es möglich soziale und religiöse Systeme zu erkennen, nachzuvollziehen und zu verstehen. Auch bei den Rastafari spielt die Kunst eine wichtige Rolle innerhalb der Gesellschaft. Sie ist im alltäglichen Leben präsent, denn man findet sie nicht nur auf der Leinwand, sondern auch an den Wänden von Häusern, an Autos und anderen Gebrauchsgegenständen. In ihr kann jeder, Rastafari und auch Nicht-Rastafari, die Geschichte der Rastas und ihre Weltvorstellungen erkennen. Dadurch wird die Kunst zu einem Statement, nicht nur über die eigene Kultur und Identität, sondern auch über die Betrachtung des gesellschaftlichen Umfeldes. Über die Verwendung von bestimmten Symbole und Zeichen können so die Wertvorstellungen einer ganzen Kultur kommuniziert werden und zur Repräsentation einer Gruppe nach außen dienen, bzw. zur Abgrenzung dieser von anderen. Anhand der Rastafari wird die Kunst, hier die Malerei, binnen einer Kultur näher erläutert und in Beziehung zur Religion, sozialen Strukturen und der Identität gesetzt. Durch die Einbettung der Kunst in eine Kultur, bleibt sie nicht mehr länger nur ein individuelles Produkt, sondern wird zu einem kollektiven Erzeugnis. Dadurch wird nicht nur die Funktion, die Kunst innerhalb der Gesellschaft der Rastafari einnimmt, ersichtlic...

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Jessica Heyser Was will uns diese Kunst. Zu Arthur C. Dantos Kunstphilosophie


Studienarbeit aus dem Jahr 2002 im Fachbereich Philosophie - Praktische (Ethik, Ästhetik, Kultur, Natur, Recht, ...), Note: 1,7, Universität der Künste Berlin (WE 3 - Kunstwissenschaft und Ästhetik), Veranstaltung: Hauptseminar: 'Arthur C. Danto: Die Verklärung des Gewöhnlichen', Sprache: Deutsch, Abstract: „Das historische Stadium der Kunst ist vorüber, wenn man erkannt hat, was die Kunst ist und was sie bedeutet. Die Künstler haben der Philosophie den Weg bereitet, und nun ist der Augenblick gekommen, an dem die Arbeit den Philosophen überlassen werden muß." In der Wochenzeitung „Die Zeit" vom 6. Juni 2002 stellt sich Hanno Rauterberg im Feuilleton anläßlich der Eröffnung der Kasseler Ausstellung documenta 11 die Frage: „Was soll uns diese Kunst?". Ausstellungsleiter Okwui Enzwor setze auf Diskussion statt Kunst, und strebe „nach Totalentsorgung - es soll ein Ende haben mit der Kunst." Die Kunst sei „in die Reiche der Philosophie, der Soziologie und Politologie entflohen."Die Gründe für diese Entwicklung sieht Rauterberg zum einen darin, dass der individualistische Anspruch des Künstlers heute zu einem gesellschaftlichen Ideal avanciert sei, die Kunst darum mehr und mehr im Alltag aufgehe. Zum anderen darin, dass sich die meisten zeitgenössischen Künstler weiterhin dem überwundenen „Avantgarde-Konzept" anhingen. Das Dogma des Neuen sei der fatale Anspruch in der zeitgenössischen Kunst, da er nur mehr ein Spiel produziere, das die eigenen Rege...

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Claudia Nickel Max Beckmanns Verhaltnis zur Neuen Sachlichkeit


Studienarbeit aus dem Jahr 2001 im Fachbereich Kunst - Deutsche Kunst, Note: sehr gut, Christian-Albrechts-Universität Kiel (Kunstgeschichte), Veranstaltung: Hauptseminar, Sprache: Deutsch, Abstract: Der Maler selbst hat seine Bilder nie einer konkreten Stilrichtung zugeordnet. [...]Max Beckmanns tatsächliches Verhältnis zur Neuen Sachlichkeit kann also nur über eine stilistische Analyse ermittelt werden. Für eine Analyse wird eine Bildgattung benötigt, in der er in regelmäßigem Abstand malt, sodass dominante Komponenten seines Malstils und eine eventuelle kontinuierliche oder sprunghafte Entwicklung aufgezeigt werden können. Zwei Gattungen erfüllen während der Frankfurter Zeit diese Anforderungen: die Gattung des Porträts und die Gattung der Landschaftsmalerei. Für die Landschaftsmalerei spricht zum einen, dass Beckmann - wie andere Schaffensperioden zeigen - besonders im Vorfeld einer Stilkonsolidierung bevorzugt in dieser Gattung malt. Zum anderen eignet sich die stilistische Raumanalyse einer Landschaftsdarstellung besonders zum Vergleich mit den Stilkriterien der Malerei der Neuen Sachlichkeit.Von Franz Roh bis zu den neuesten Untersuchungen in den neunziger Jahren wird die Behandlung des Raumes als ein fundamentales stilistisches Kriterium dieser Richtung hervorgehoben. Die vorliegende Arbeit analysiert an ausgewählten Landschaftsbildern der Frankfurter Zeit Beckmanns Motive und Stil und seine motivischen und stilistischen Vorbilder. Nach der stilistischen Analyse werde...

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Heide Marie Herstad Vom Kunstwerden und Kunstsein. Wandlungsprozesse von Kunstverstandnis Kunstrezeption


Kunst ist eine Interaktion zwischen dem Menschen in seinem individuellen Sein, einem manifesten, flüchtigen und/oder eingebildeten Gegenstand und den Fremdeinwirkungen und Manipulationen der Umwelt. Dieses Thema behandelt die Autorin in vier Artikeln:Erstens diskutiert sie das Ineinander-Filzen von Kunst als Identität, als ästhetischem und musikalischem Ausdruck sowie als Marktinteresse und Politik. Zweitens diskutiert sie die Kunst im politischen Kontext. Kunst kann als strukturelles, visuelles, rhythmisches und akustisches Erlebnis zur Verführung, Manipulation und Hypnose der Menschen ge- und missbraucht werden. Drittens betrachtet sie Kunst im Kontext von Wirklichkeitswandlungen. Dieser Artikel konzentriert sich auf die theoretische Kunstdebatte und auf die Vermarktung der Kunst. Denn wenn Kunst nach dem Börsenwert definiert wird, wird die gesamte Kunstdebatte null und nichtig. Auf dem Markt kann alles über einen Leisten geschlagen werden. Hier gibt es keine Abgrenzungen zwischen dem Schönen, Banalen, Absurden, Grotesken, Phantastischen und der Fiktion. Kunst als reiner Marktwert wird in sich selber absurd. Das ist das Ende der Kunst. Ist das das Ende der Kunst? Kunst wurde im Laufe der Jahrtausende immer wieder zu Grabe getragen. Kunst als Teil des Lebens und einer Lebensvorstellung ist immer noch lebendig. Das ist das Thema des vierten Artikels.

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Lydia Klöppel Die eikon Grafik-Presse und die Avantgarde-Kunst in der DDR


Magisterarbeit aus dem Jahr 2007 im Fachbereich Kunst - Sonstiges, Note: 2,1, Technische Universität Dresden (Institut für Kunst- und Musikwissenschaft), Sprache: Deutsch, Abstract: Die eikon Grafik-Presse und die Avantgarde-Kunst in der DDR: Alexander Rodtschenko, Hermann Glöckner, Wilhelm Müller, Woldemar Winkler und Klaus Dennhardt In den Jahren zwischen 1964 bis 1992 wurden im Verlag der Kunst Dresden unter der Federführung von Rudolf Mayer (1928-2008) 55 hochwertige Editionen originaler Drucke unter dem Titel „eikon Grafik-Presse" publiziert. Inhaltlich spannen diese den Bogen von volkstümlichen Drucken aus Vietnam über die Moderne des frühen 20. Jahrhunderts bis hin zu zeitgenössischer Kunst der beiden deutschen Staaten. Rudolf Mayer selbst strebte 1949 eine Ausbildung am Weimarer Bauhaus an. Zeitlebens blieb er dem Gedankengut der Moderne verbunden. Hier ist auch die Verbindung zu den fünf in dieser Abhandlung näher beleuchteten Künstlern und deren Werken zu suchen: Sie alle experimentierten mit verschiedenen Materialien und Fakturen - mit dem Eigenwert von Material, Form und Farbe. Außerdem bewegten sie sich stets zwischen den Polen konkreter und informeller Kunst und waren deshalb meist ausgeschlossen vom offiziellen Kunstbetrieb in Ostdeutschland. Der Forschungsanspruch in dieser Arbeit begründet sich in erster Linie in der Untersuchung des Umgangs mit dem avantgardistischen Erbe, der Kunst in der Nachfolge der Moderne der 1910er und 20er Jahre und der Rolle der...

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Norman Conrad Der Kult des Organischen. Psychedelische Kunst und Jugendstil im Bildvergleich


Die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert ist durch tiefgreifende Veränderungen geprägt. Neue Denkweisen in moralischen, sozialen, religiösen und naturwissenschaftlichen Fragen erschüttern den Menschen. Die Seele des Menschen, Ängste, Sehnsüchte, Phantasien und das Irrationale geraten zunehmend in den Mittelpunkt. Diese Erscheinungsformen finden vor allem Ausdruck in der Kunst. Künstler des Jugendstils wollten neue Wege in der Kunst gehen und der Nachahmung vergangener Stile einen Riegel vorschieben. Kaum eine Epoche verinnerlichte die Einheit von Mensch und Umwelt so sehr wie die Jugendstilkünstler und deren Anbetung der vegetabilen und organischen Formen. Intellektuelle Vorbilder waren etwa die Taoisten oder die Buddhisten. Künstlerisches Vorbild und Orientierung boten japanische Künstler, welche die symmetrische Bildgestaltung ablehnten, da sie leblos sei und in der organischen Welt nicht vorkäme. Das Unvollkommene ist hingegen die Triebfeder der Phantasie.In den sechziger Jahren des 20. Jahrhunderts feierte der Jugendstil in der Psychedelischen Kunst seine Reinkarnation. Auch die Künstler der Psychedelischen Kunst ließen sich vom Zen-Buddhismus beeinflussen, himmelten die organische Farben- und Formenwelt an und rebellierten gegen die vorherrschende bürgerliche Moral. Zwischen Sex, Drugs and Rock´n´Roll versuchten diese ihre psychedelischen Erlebnisse und die Erlebnisintensität in das Zentrum ihrer Kunst zu stellen. Drogen wie LSD sollten die visuelle Wahrnehmung steigern und...

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Magdalena Skorupinska Gibt es den .polnischen Futurismus in Malerei und Dichtung. Zbigniew Pronaszko, Tytus Czyzewski, Leon Chwistek der Formismus


Studienarbeit aus dem Jahr 2013 im Fachbereich Literaturwissenschaft - Slawische Länder, Note: 14,0, Justus-Liebig-Universität Gießen, Veranstaltung: Hauptseminar: Die polnische Avantgarde: Entwicklung, Programmatik, Werke, Sprache: Deutsch, Abstract: Die vorliegende Arbeit beschäftigt sich mit dem Futurismus in der polnischen Kunst. Im Zuge der fortschreitenden Industrialisierung veränderte sich auch in Polen das Kunstverständnis. Innerhalb der Kunst und der Literatur kam es zu verschiedenartigen Umwälzungen, die durch die rasche Entwicklung in Technik und Zivilisation hervorgerufen wurden.Darüber hinaus sorgten der Erste Weltkrieg, Aufstände, Revolutionen und die Herausbildung neuer Staaten für die Forderung nach etwas Neuem. So entstand auch der Anspruch nach einer neuen Kunst. Diese neue Kunst implizierte nicht nur neue Techniken und Motive, sondern auch ein neues Verhältnis zum Menschen, der Gesellschaft und der umgebenden Welt.Die avantgardistische Landschaft war durch eine Vielfalt von neuartigen Richtungen gekennzeichnet. Zu den Hauptrichtungen der europäischen Avantgarde zählen neben dem Futurismus der Expressionismus, der Dadaismus, der Surrealismus und der Konstruktivismus. Die Avantgardisten wollten die Kunst ins Leben tragen und eine Art der gesellschaftlichen Revolution über die Kunst herbeiführen. Die Künstler dieser Zeit arbeiteten mit Manifesten, wo sie ihre Ziele und Intentionen formulierten. Sie wollten Grenzen aufbrechen, sie aufheben und das Bewusstsein b...

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Jan Allendörfer Ist moderne Kunst Kunst.


Facharbeit (Schule) aus dem Jahr 2011 im Fachbereich Kunst - Allgemeines, Kunsttheorie, Note: keine, August-Hermann-Francke-Schule Gießen, Sprache: Deutsch, Abstract: Ist moderne Kunst wirklich Kunst? Ist ein auf Leinwand gemaltes schwarzes Quadrat so wertvoll und schön wie die detailreich gestaltete „Geburt der Venus"? Ist das bloße Herstellen eines Bildes als Kunst zu verstehen? Ist es der Name des Künstlers, der ein Werk zu Kunst werden lässt? Wie hat sich Kunst im Lauf der Zeit verändert?Bei der Betrachtung moderner Kunstwerke fragt man sich, ob man dabei von Kunst sprechen kann. Mit dieser Facharbeit möchte ich einen Überblick über herkömmliche Kunst, moderne Kunst und ihre Bewertungsmöglichkeiten geben und dabei untersuchen, ob die Kriterien für die Beurteilung von Kunst aus der Zeit der Renaissance bis ins 19. Jahrhundert auf ausgewählte Werke der modernen Kunst anwendbar sind, ohne dabei eine möglichst objektive Sichtweise zu verlassen.

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Wilhelm von Bode Die Kunst der Fruhrenaissance in Italien (Classic Reprint)


Excerpt from Die Kunst der Frührenaissance in ItalienDie neue Zeit, die Renaissance, deren Geburtsstunde sich in der Konkurrenz fur die zwei-te Bronzetür des Baptisteriums von Florenz im Jahre 1401 fast genau festlegen ließe, wenn sie auch nur langsam aus kleinen Anfängen herauswächst, fühlt sich als die Wiedergeburt der Antike und bezeichnet sich selbst als solche. Das Studium des Alte-rtums, das mit dem neuen Jahrhundert ernsthaft beginnt und im Humanismus allmählich solchen Umfang und solche Bedeutung annimmt, daß die Italiener das ganze Leben ihrer Zeit als eine Fortsetzung der großen Zeit ihrer römischen Vorfahren anzusehen und zu gestalten liebten, hat auch für die Kunst dieser Zeit ihre große Bedeutung; aber doch nicht die wesentlichste. Ein Zurück gehen auf die antike Kunst macht sich schon in den Bauten Toskanas vom Ende des 12. Jahrhunderts, macht sich in den Plastiken der süditalienischen Kunst Kaiser Friedrichs II. Und. In den Bildwerken des Niccolo Pisano deutlich geltend; aber diese Keime wurden zurückgedrängt durch die nordische Gotik, in der auch die kirchliche Reform eines hl. Franz für Italien den angemesse nen künstlerischen Ausdruck fand. Als nun mit dem Einsetzen eines mehr wissenschaftlichen Studiums der Antike auch die Überreste der alten Kunst beachtet und studiert wurden, waren es nicht die Grundformen und Prinzipien der römischen Kunst, nicht der Geist, aus dem sie entsprungen, nicht der Zweck, für den sie entstanden waren, die jener Zeit noch völlig...

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Arno Holz Die Kunst. Ihr Wesen und ihre Gesetze


Arno Holz: Die Kunst. Ihr Wesen und ihre Gesetze. Zwei FolgenDie Kunst - ihr Wesen und ihre Gesetze: Erstdruck: Berlin (Wilhelm Issleib [Gustav Schuhr]), 1891.Die Kunst - ihr Wesen und ihre Gesetze. Neue Folge: Erstdruck: Berlin (Wilhelm Issleib [Gustav Schuhr]), 1892.Neuausgabe mit einer Biographie des Autors.Herausgegeben von Karl-Maria Guth.Berlin 2017.Textgrundlage sind die Ausgaben:Arno Holz: Die Kunst. Ihr Wesen und ihre Gesetze. Berlin: Wilhelm Issleib (Gustav Schuhr), 1891.Arno Holz: Die Kunst. Ihr Wesen und ihre Gesetze. Neue Folge, Berlin: Wilhelm Issleib (Gustav Schuhr), 1892.Die Paginierung obiger Ausgaben wird in dieser Neuausgabe als Marginalie zeilengenau mitgeführt.Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Arno Holz (Fotografie, 1905).Gesetzt aus der Minion Pro, 11 pt.Über den Autor:1863 in Ostpreußen als Apothekersohn geboren, 1875 nach Berlin übergesiedelt, bricht Arno Holz die Schule ohne Abschluss ab und lebt als freier Schriftsteller in wirtschaftlich schwierigen Verhältnissen im Berliner Wedding. Seine Lyrik entwickelt sich ab 1885 um die soziale Frage herum, er tritt dem naturalistischen Literaturverein Durch! bei und wird in der literarischen Avantgarde, die ihn trotz junger Jahre halb liebevoll, halb spöttisch Papa Holz nennt, ein ebenso aktiver wie sendungsbewußter Mann. Kunst=Natur-X ist die Formel, auf die Holz das Ziel künstlerischen Schaffens bringt. 1887 zieht er mit seinem Freund Johannes Schlaf zusammen und sc...

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Arno Holz Die Kunst. Ihr Wesen und ihre Gesetze


Arno Holz: Die Kunst. Ihr Wesen und ihre Gesetze. Zwei FolgenDie Kunst - ihr Wesen und ihre Gesetze: Erstdruck: Berlin (Wilhelm Issleib [Gustav Schuhr]), 1891.Die Kunst - ihr Wesen und ihre Gesetze. Neue Folge: Erstdruck: Berlin (Wilhelm Issleib [Gustav Schuhr]), 1892.Neuausgabe mit einer Biographie des Autors.Herausgegeben von Karl-Maria Guth.Berlin 2017.Textgrundlage sind die Ausgaben:Arno Holz: Die Kunst. Ihr Wesen und ihre Gesetze. Berlin: Wilhelm Issleib (Gustav Schuhr), 1891.Arno Holz: Die Kunst. Ihr Wesen und ihre Gesetze. Neue Folge, Berlin: Wilhelm Issleib (Gustav Schuhr), 1892.Die Paginierung obiger Ausgaben wird in dieser Neuausgabe als Marginalie zeilengenau mitgeführt.Umschlaggestaltung von Thomas Schultz-Overhage unter Verwendung des Bildes: Arno Holz (Fotografie, 1905).Gesetzt aus der Minion Pro, 11 pt.Über den Autor:1863 in Ostpreußen als Apothekersohn geboren, 1875 nach Berlin übergesiedelt, bricht Arno Holz die Schule ohne Abschluss ab und lebt als freier Schriftsteller in wirtschaftlich schwierigen Verhältnissen im Berliner Wedding. Seine Lyrik entwickelt sich ab 1885 um die soziale Frage herum, er tritt dem naturalistischen Literaturverein Durch! bei und wird in der literarischen Avantgarde, die ihn trotz junger Jahre halb liebevoll, halb spöttisch Papa Holz nennt, ein ebenso aktiver wie sendungsbewußter Mann. Kunst=Natur-X ist die Formel, auf die Holz das Ziel künstlerischen Schaffens bringt. 1887 zieht er mit seinem Freund Johannes Schlaf zusammen und sc...

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Sven Müller Primitivismus in der Kunst des 20. Jahrhunderts unter besonderer Berucksichtigung deutschen Expressionismus


Examensarbeit aus dem Jahr 2010 im Fachbereich Kunst - Uebergreifende Betrachtungen, Note: 1,0, Universität Koblenz-Landau (Institut für Bildende Kunst und Kunstwissenschaft), Sprache: Deutsch, Abstract: Der kunsthistorische Terminus „Primitivismus" bezeichnet „die Aufnahme sog. primitiver Kulturen in der Moderne" als Rezeption und Imitation. Der Begriff in seiner heutigen Verwendung bezieht sich vor allem auf den bewussten „Zugriff auf Formen, Inhalte, Materialien und Techniken der Kunst vormoderner Völker in Malerei und Skulptur durch die klassischen Avantgarden zwischen 1890 und 1940". Die Idee dahinter kann mit dem Versuch beschrieben werden, sich bestimmter Werte des Ursprünglichen, Elementaren oder kraftvoll Vitalen zu versichern, und sich damit vom bestehenden Zustand in Kultur, Kunst und Gesellschaft abzugrenzen.Seine Bedeutung für die Moderne bezeichnet William Rubin als eines der Schlüsselthemen der Kunst des 20. Jahrhunderts. Der Begriff bezieht sich dabei vorrangig auf die Rezeption der „sog. Negerkunst (art nègre) Afrikas und Ozeaniens", die Anfang des 20. Jahrhunderts zum gängigen Synonym primitiver Kunst wurde und moderne Richtungen wie den Fauvismus, Kubismus und Expressionismus nachhaltig beeinflusste. Die vorliegende Arbeit versucht, ausgehend von den Vorbedingungen, die Entwicklung des künstlerischen „Primitivismus" im Deutschen Expressionismus aufzuzeigen. Hierbei soll zuerst die Frage beantwortet werden, wie und auf welchem Wege Künstl...

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Fritz Burger Cezanne und Hodler - Einfuhrung in die Probleme der Malerei Gegenwart


"Indem Hodler und Cezanne in den Mittelpunkt der Darstellung gerückt sind, soll nur erklärt werden, was für sie und ihren Kreis Kunst bedeutet, aber nicht gesagt sein, daß sie das Höchste und Letzte in der Kunst überhaupt seien. Die jüngste Generation begeht den verzeihlichen Irrtum, sich als die Vertreter der einzig wahren und echten Kunst neuerdings besonders nachdrücklich zu empfehlen. Wir wollen uns hier begnügen festzustellen, inwieweit ihre Gestaltungsweise auch Kunst ist, und dürfen uns hierbei nicht verhehlen, daß auch für sie wieder der Tag des Scheidens kommen wird. Aber zunächst handelt es sich um das Leben und nicht den Tod, und es ist ein kräftiges, wundersam reiches Leben, das sich uns bietet und in seiner Vielgestaltigkeit auch der alten Kunst neue Seiten, neue Reize und Erkenntnisse abgewinnen läßt. Es ist kein Zweifel, daß der ältere moderne Impressionismus der Vater dieser Bewegung ist, von der seine Vertreter sich nicht selten sogar mit Abscheu abwenden. Aber es ist Menschenschicksal, daß die Jugend nicht immer auf den für die Väter geheiligten Bahnen wandelt." [...]Fritz Burger (1877 - 1916) war ein deutscher Kunsthistoriker, der ebenfalls selber als Künstler tätig war. Er teilte den künstlerischen Grundsatz, dass die Kunst subjektiv sei und bewertete von diesem Standpunkt aus auch die Kunst neu.Das vorliegende Werk besteht aus zwei Bänden, einem Textband und einem Abbildungsband, letzterer mit 193 Abbildungen.Dieses Buch ist ein unveränderter Nach...

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Johannes Spitzer Beim Zeus


Eine kleine Mythologie der Griechen, vor allem - aber nicht nur - für aufgeweckte Kinder. Sie ist kritisch, manchmal leicht ironisch, gelegentlich auch belehrend und vergnüglich zu lesen. Sie bietet die wichtigsten Sagen und Gestalten für das Verständnis europäischer Kunst und Literatur.Ein Namensverzeichnis erleichtert das Nachschlagen.

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Ernst Grosse Die Anfange Der Kunst


"In der Menge der Forschungen und Betrachtungen über die Kunst - die Kunst in dem weiten Sinne, der nicht nur die bildenden Künste in ihren verschiedenen Verzweigungen, sondern alle Arten des ästhetischen Schaffens umfasst - lassen sich zwei Richtungen unterscheiden, welche man als die kunsthistorische und die kunstphilosophische bezeichnen kann. Beide Richtungen treten praktisch nur selten streng gesondert auf; gerade deshalb aber ist es notwendig, sie theoretisch klar auseinanderzuhalten.Die Kunstgeschichte untersucht die historisch gegebenen Tatsachen in der Entwicklung der Kunst und der Künstler. Sie reinigt die Überlieferung von allen fragwürdigen und falschen Bestandteilen, und versucht die als zuverlässig erwiesenen Elemente zu einem möglichst treuen und klaren Bilde zu vereinen. Ihre Aufgabe besteht nicht sowohl in der Erklärung als in der Erforschung und Beschreibung der kunsthistorischen Tatsachen." [...]In die „Die Anfänge der Kunst" macht sich Ernst Grosse daran, Ziele und Wege der Kunstwissenschaft zu erläutern, wobei er selbst sein Werk als einen ersten Versuch sieht und es auch als einen solchen bewertet haben möchte. Nimmt man dies als Grundlage, so sind es anregende fragmentartige und dennoch schon sehr detaillierte Ausführungen zu künstlerischen Einzelthemen wie Ornamentik, Bildnerei, Tanz, Poesie und Musik im Allgemeinen, die Grosse hier vorlegt.Dieses Buch ist ein unveränderter Nachdruck der Originalausgabe von 1894.

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Johannes Ludwig Ungeschickte Briefe


In Ungeschickte Briefe gelingt dem Autor ein Quasi-Dialog mit überwiegend Künstlern der ersten Hälfte des letzten Jahrhunderts. Vor allem schriftliche Zeugnisse von Macke, Marc, Kandinsky, Klee usw. werden in Beziehung gebracht mit der Kunst von heute - und was sich dafür hält. Als Insider für die gestalterische Seite der Kunst - Johannes Ludwig lehrte Gestaltungsgrundlagen und Farbenlehre an der Hochschule - hat er mehr als nur ein Gespür für Scharlatanerie und Schaumschlägerei. Es ist die Sicht eines Maler-Kollegen, der über das Trennende und das Gemeinsame zweier Zeiten nachsinnt. Ein Buch ohne Abbildungen; aber wo eine hilfreich sein könnte, gibt Ludwig Hinweise, wie sie im Internet zu finden ist.

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Claas Hanson Die Bedeutung der Technik fur die musikalische Avantgarde. Transformation musikalischer Asthetik und kunstlerischen Selbstverstandnisses


Die Abwertung der Technik in der Kunst hat eine lange Geschichte. Haftet technischer Kunst noch heute in der öffentlichen Wahrnehmung der Makel des ›Uninspirierten‹ und die Unterstellung kreativer Minderwertigkeit an, so stand der griechische Begriff der téchne im ursprünglichen, aristotelischen Sinne noch für Kunstfertigkeit und Schöpfungskraft. Im Zentrum der vorliegenden Arbeit steht die Bedeutung der Technik für die musikalische Avantgarde, insbesondere die durch die Technik ausgelösten oder in ihr verorteten Transformationen musikalischer Ästhetik und künstlerischen Selbstverständnisses. Technik gerät dabei sowohl auf Seiten der Produktion, Reproduktion und Distribution von Musik als auch als programmatisches Element in den Blick. Unberührt davon bleibt aber die Frage, inwiefern wirklich technische Innovation oder bloße Wahrnehmung und Anerkennung der technischen Realität von Kunst substantielle Veränderungen auslöste.

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Heinrich Reimann Johannes Brahms


„Von Bach erbte er die Tiefe, von Haydn die Heiterkeit, von Mozart die Anmut, von Beethoven die Kraft und von Schubert die Innigkeit seiner Kunst."Johannes Brahms war einer der bedeutendsten Komponisten des 19. Jahrhunderts und Schlaglicht der internationalen Musikgeschichte. Obwohl sich Brahms tradierten Formen und Mustern verpflichtet fühlte, schuf er ein ureigenes und individuelles Lebenswerk, das bis heute in gesamteuropäischer Tradition steht. Diese Biografie erschien erstmals kurz nach Brahms' Tod. Der Musikwissenschaftler und Komponist Heinrich Reimann richtet seinen zeitgenössischen Blick auf Leben und Werk des Genies und begleitet seine Erzählungen mit zahlreichen Original-Briefen, Noten und Abbildungen.

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